AIRE LIBRE INTERVIEW

  ¿Cuáles han sido algunos de los obstáculos a los que se han enfrentado como artistas al llevar el flamenco a un espacio de arte experimental / contemporáneo en lugar de llevar el flamenco experimental a un espacio tradicional como un tablao o una peña?

   Creo que entre otras cosas el lenguaje flamenco tal y como se vive hoy en día, es desde un punto de vista muy estético y formal. Quiero decir, suele ser bastante complejo incorporar una dramaturgia cuando una forma artística está tan marcada, pues de alguna manera, tiene unos cánones muy hechos que dan una estructura muy cerrada. Eso no quiere decir que esa estructura sea insuficiente o errónea ni mucho menos. Simplemente es más difícil integrar con cierto gusto y lógica otros lenguajes más experimentales, respetando el lenguaje flamenco, sin hacer una fusión de manera gratuita. Creo que mucho de ello tiene que ver con tener el conocimiento de otras disciplinas como puede ser el teatro, la performance, o cualquier arte que te pueda hacer ver otro punto de vista y ampliar tu visión. Es cierto que el flamenco abarca tanto en todos los sentidos, tantísimo estudio, tiene tantísimos detalles, que es difícil tener el tiempo y adentrarse en otras artes para realmente nutrirse de ellas sin coger sólo la superficie estética. Ese conflicto lo tengo constantemente en mi cabeza porque siempre me ha encantado meterme de lleno en todo lo que he hecho. Esta dificultad hace que muchas veces no sepamos bien cómo aprovechar un espacio experimental diferente, realmente utilizando todas sus posibilidades, o a la hora de trabajar con otros artistas, poder ir un poco más allá y no quedarte siempre en tu zona de confort, pero al mismo tiempo, nunca olvidarte de dónde vienes. 

Otras dificultades que me he encontrado, es que el flamenco requiere unas  necesidades técnicas que otras artes no, por ejemplo, el sonido suele ser un gran problema siempre, porque es muy delicado amplificar una música que ha nacido para no ser amplificada, y encontrar un buen suelo en el que zapatear pero también tener espacio y limpieza para tirarte o hacer cualquier cosa siempre es complicado. Otro gran tema tiene que ver con los ensayos, y es que siempre o casi siempre, es muy complejo ensayar con músicos de flamenco  porque normalmente no les apetece adentrarse en un proceso creativo en el cual tengan que hacer algo diferente a lo que están acostumbrados y cuando sí, suelen estar muy ocupados,  no tienen la inquietud de ensayar por probar cosas o les tienes que pagar un dinero que no tienes. Entonces pasa que muchísimas ideas se quedan siempre en el tintero. Pienso que el  punto de vista de los músicos es totalmente lícito, pues no todos tenemos los mismos objetivos, pero sí que es verdad que con bailarines u otros artistas nunca me he encontrado esa dificultad. 

  Respecto a los tablaos, ahora mismo cada vez se están haciendo más propuestas diferentes sobre todo después de la pandemia porque se ven obligados a ofrecer otras actividades para que venga un público diferente, ya que el flamenco más tradicional suelen ir a verlo los turistas. Creo que esto tiene un lado bueno y uno no tan bueno. Por un lado pienso que siempre es maravilloso que pueda haber lugares para expresarse y hacer arte sea como sea, pero por otro, es triste que el flamenco tenga que depender absolutamente del turismo para sobrevivir y que en España no haya curiosidad de ver cómo es nuestra cultura. Esto ha hecho que el tablao se convierta en muchos casos en un lugar para ofrecer un producto “Typical Spanish” y nos olvidemos de los cafés cantantes donde se rompían las normas y se vivía la fiesta en estado puro, sin pensar en si lo que hacían estaba bien o mal.  Antiguamente, en el tablao estaba la figura de la “atracción” cantaores bailaores festeros, que hacían prácticamente de todo, bailaban, cantaban, recitaban… O sea que ya se aunaban disciplinas sin cuestionarse si lo que hacían era flamenco o no. Desafortunadamente ahora no suele haber ese espacio en ningún tablao para esta figura, ni para los palmeros ni otros muchos por un tema de presupuesto. Esto creo que ha hecho que recaiga todo el peso en el cantaor, el guitarrista y como mucho en los tres bailaores que suele haber en un cuadro, lo cual hace que cada vez más esto se convierta sólo en un “trabajo” , se pierda la libertad, el disfrute, y tendamos a ir cada vez más al virtuosismo.

  Personalmente, creo que hay seis categorías que definen el éxito de una obra de arte de danza / teatro / performance y que la mayoría de los creativos pueden ejecutar 3-4 de estas, pero es muy raro hacer todas las 6: formalismo, validez conceptual, entretenimiento, creatividad, estética y mindfulness. ¿Qué dices a esto?

  La verdad que no soy tan analítica en ese sentido, quiero decir, para mi el éxito de una obra tiene más que ver con que te llegue, que de alguna manera te mueva cosas dentro de ti, que te sientes en tu butaca y vivas un viaje de emociones. Si que creo que a veces los espectadores y artistas, sólo quieren ver cosas bonitas, sentir cosas bonitas y para mí el arte puede abarcar todo, pues es un reflejo de la vida, y la vida no es sólo bonita. También creo que eso tiene que ver con lo que creemos que es bello, para mi también es bella la deformidad, la disonancia… cuando viajas te das cuenta de cómo cambia este concepto según la cultura. En Japón por ejemplo, antiguamente las mujeres se teñían la boca de negro para resaltar la luz de la piel blanca de la cara. Para la danza butoh, la belleza está en lo que no se ve y para mí es importante justo eso, lo que no sabes definir pero te vas a tu casa lleno, sin saber muy bien qué has visto. Por supuesto, no hace falta saber mucho de arte ni haber visto muchos espectáculos para sentir esto, y en realidad es lo que hace grande al arte, que puede llegar a cualquier parte y por eso creo que esta es la balanza más real para encontrar el éxito en un espectáculo.

También pienso que claro si como artista tienes una buena ejecución de la forma, un concepto claro de lo que quieres contar o de cómo quieres realizar tu obra, tienes en cuenta al público que te va a ver y al cual vas a “entretener”, si eres creativo y sabes llevar a cabo tus ideas, tienes una estética que te define, y tienes la psicología para saber llevar todo lo que conlleva ser artista, tus miedos, dificultades… Seguramente hará que el espectáculo sea de una gran calidad, pero si olvidamos transmitir, da igual las facilidades que tengas, finalmente será un producto, posiblemente bueno, pero a lo mejor no te llena el alma ni a tí ni a los demás.

  ¿Qué esperas que su inclusión en la práctica del flamenco aporte a su narrativa y evolución?

  Para mí es un camino de evolución personal, con el cual, puede ser que aporte o no algo al flamenco. Eso sólo lo puede decidir el tiempo. Creo que  ponerme un objetivo de generar algo en el flamenco puede ser muy pretencioso, más bien intento encontrar mi lenguaje con todo lo que aprendo y hacer constantemente una limpieza sobre mis juicios de cómo tienen que ser o dejar de ser las cosas, en el flamenco, el teatro o donde sea. Me encantaría que con esta búsqueda esté aportando algo, por supuesto, y si que es verdad que en mis últimos trabajos como en “SER.RANA” o “El Sonido de mi Locura” decidí tirarme a la piscina, ir más a mi esencia sin importarme si lo que hago es válido o no, y con un lenguaje más propio, rompiendo mis propios límites,  dificultades y aprovechando mis conocimientos para ver qué caminos tengo para plasmar lo que imagino independientemente de que esté bailando flamenco, contemporáneo, interpretando o lo que sea.  Entonces mi inclusión puede que tenga que ver con esto, con unir Mundos. Lo que sí tengo claro es que, gracias a este proceso, he podido ayudar a muchos artistas, compañeros y amigos a creer en sus propias ideas,  a creer en su propia forma de moverse, y a confiar en lo que ya son cuando he trabajado a nivel individual o en grupo realizando el workshop “Flamenco y Creación”, o así me lo han transmitido ellos.

 What have been some of the obstacles you have faced as artists when bring flamenco to an experimental / contemporary art space instead of bringing the experimental flamenco to a traditional space like a tablao or a peña?

  I think that among other things, the flamenco language as it’s lived today is from a view point that is aesthetic and formalistic . What I mean by this is that It’s quite complex to incorporate dramaturgy in a practice that has  a canon and history that’s very structured and closed. That doesn’t  mean that this structure is “bad” — far from it—  It’s just harder to integrate tastefully and logically with other experimental languages, while still  respecting the flamenco language, without making it gratuitous. I think a lot of it has to do with having knowledge of other disciplines such as theater, performance, or any art that can give you perspective. Sure, flamenco covers a lot of these things in most senses, requires studiousness, attention to detail, that it is often  difficult to have the time to look at other art practices without being purely aesthetic  and superficial with them. It is a conflict I have constantly in my head because I like to fully immerse myself in my work. This difficulty means that many times a flamenco artist may not know how to fully take advantage of an experimental space, using all its possibilities, or utilize the time working with other types of artists, pushing outside of our comfort zone all the while holding onto what is true for them.

  Other difficulties I have encountered are that flamenco requires technical needs that other arts do not; more specifically sound. This is a constant problem because it is very delicate to amplify a music that was born not to be amplified, and to find clean surfaces to do footwork that also lends itself to more body based explorations. Another issue has to do with rehearsals and flamenco musicians because they aren’t normally open to entering a creative process in which they have to do something different from what they are used to or an unwillingness to do the work unless there is a monetary aspect tied to it; leaving a lot of ideas stuck in the pipeline. And i get it, the musicians’ point of view is totally legit, since not all of us have the same objectives, but what is also true is that I’ve never really encountered that level of difficulty with dancers or other artists I have worked with.

  Regarding tablaos, because of the pandemic, more and more different types of programming are being proposed, as they are forced to offer other activities for different audiences, since most traditional flamenco is consumed by tourists; with this comes the good and the bad. On one hand I think it’s wonderful that people will find ways to create and express themselves, but on the other had, it is sad to see that flamenco has to depend absolutely on tourism to survive, and that in Spain there is no interest in flamenco and its culture. The tablao has become in many cases the only place to offer a “Typically Spanish” product, forgetting about the Cafe Cantantes or cabarets where the rules were broken and the party was lived in its purest form, without thinking about whether what they did was right or wrong. In the past tablao there was the figure of the “Attraction”.  Performers who did practically everything; dancing, singing, reciting… In other words, disciplines were already coming together without questioning whether what they were doing was flamenco or not.

  Unfortunately now there is usually no such space in any tablao for this figure, nor for the palmeros or many others for a budget issue. This I think has caused me to relapse all the weight in the singer, the guitarist and at most in the three dancers that usually exist in a painting, which makes this more and more just become a “job” and lose the freedom, enjoyment, and we tend to go more and more to virtuosity.

 Personally, I think there are six categories that define the success of a work of art by dance / theater / performance and that most creatives can perform 3-4 of these, but it is very rare to do all 6: formalism, conceptual validity, entertainment, creativity, aesthetics and mindfulness. What do you say to this?

The truth is that I am not so analytical in that sense, I mean, for me the success of a work has more to do with it reaching you, that somehow it moves things inside you, that it sit in your armchair and live a journey of emotions. Yes I think that sometimes the spectators and artists, they only want to see beautiful things, feel beautiful things and for me art can encompass everything, it is a reflection of life, and life is not just beautiful. I also think that has to do with what we think is beautiful, for me deformity, dissonance is also beautiful … when as you travel, you realize how this concept changes depending on the culture. In Japan for example, formerly women dyed their mouths black to bring out the light of the white skin of the expensive. For butoh dance, beauty is in what is not seen and for me it is important just that, what that you don’t know how to define but you go home full, without really knowing what you’ve seen. Of course, you don’t need to know much about art or have seen many shows to feel this, and in reality is what makes art great, that it can reach anywhere and that is why I think this it is the most realistic scale to find success in a show.

  I also think that of course if as an artist you have a good execution of the form, a concept clear of what you want to tell or how you want to make your work, you take into account the public that he is going to see you and whom you are going to “entertain”, if you are creative and know how to carry out your ideas, you have a aesthetics that defines you, and you have the psychology to know how to carry everything that being an artist entails, your fears, difficulties … It will surely make the show of a great quality, but if we forgot to transmit, no matter the facilities you have, it will finally be a product, possibly good, but maybe it doesn’t fill your soul or you or others.

 What do you hope that its inclusion in the practice of flamenco contributes to its narrative and evolution?

  For me it is a path of personal evolution, with which it may or may not contribute something to the flemish. That can only be decided by time. I think setting a goal to generate something in flamenco can be very pretentious, rather I try to find my language with everything I constantly learn and do a cleaning on my judgments of how they have to be or leave to be things, in flamenco, theater or wherever. I would love that with this search is contributing something, of course, and if it is true that in my last works as in “SER.RANA” or “The Sound of my Madness” I decided to jump into the pool, go more to my essence without care if what I do is valid or not, and with a more proper language, breaking my own limits, difficulties and taking advantage of my knowledge to see what paths I have to capture what I imagine regardless of whether I am dancing flamenco, contemporary, interpreting or whatever. So my inclusion may have to do with this, with joining Worlds. What I am clear about is that, thanks to this process, I have been able to help many artists, colleagues and friends to believe in their own ideas, to believe in their own way of move, and to trust what they already are when I have worked individually or in a group doing the workshop “Flamenco and Creation”, or so they have transmitted it to me.